Гедан Гравер 19 Век биография

Известные граверы нескольких эпох и их потрясающие работы

Гравюрное Средневековье от великих мастеров прошлого.

Гравюра появилась в 15 веке, одновременно с печатной книгой и великими географическими открытиями. Как новый вид искусства, доступный в силу дешевизны, гравюра чрезвычайно быстро набрала популярность. Она стала первой иллюстрацией в книге, сначала в виде ксилографии (гравюре на дереве), а затем и резцовой гравюры (на металле).

Сюжеты гравюры столь же многообразны, как сама жизнь, и её она стремится вместить во всех проявлениях. Вслед за традиционными религиозными мотивами в ней появляются образы античной мифологии, виды далеких стран, портреты правителей, светских и религиозных деятелей, писателей и художников, изображения флоры и фауны, модные картинки и календари, карты, чертежи, сады и парки, знаменитые памятники древности.

С одной стороны, гравюра лаконична, здесь нет ничего лишнего, все продумано до мелочей. С другой — работы граверов полны намеков и иносказаний, все имеет метафорический смысл, каждый предмет в соответствии со средневековой традицией соответствует определенному понятию.

Представляем вашему вниманию самых известных граверов нескольких эпох и их самые выдающиеся работы.

Альбрехт Дюрер (1471 — 1528)

Альбрехт Дюрер прославился уже в раннем возрасте своими гравюрами и сегодня считается наиболее известным из художников эпохи Возрождения. В семье Альбрехта было 18 детей, он был третьим ребенком и вторым сыном в семье. Отец Дюрера взял его к себе в цех, чтобы научить работе с золотом, но мальчик проявлял способности к живописи и поэтому пошел учеником к граверу Михаилу Вольгемуту.

Дюрер был равно и потрясающе одарен как живописец, гравер и рисовальщик, но, главное место в его творчестве принадлежит графике. Его наследие огромно, по своему многообразию оно может быть сопоставлено с наследием Леонардо да Винчи.


«Рыцарь, смерть и дьявол». 1513 год

Исходя из символики предметов, окружающих рыцаря, можно сказать, что он скорее олицетворяет негативную силу и объединяется с дьяволом, а не является его жертвой. Поэтому не случайно на пике всадника прикреплен лисий хвост, примета рыцаря — разбойника. Изображение лисьего хвоста связывалось с представлением о лжи, лицемерии, стремлением урвать свою долю земных благ хитростью. Изображение собаки утверждается здесь как приверженность дьяволу, жадность и зависть. Ящерица — символ притворства, злого демона. Череп ассоциируется со смертью и первородным грехом.


«Меланхолия». 1514 год

Советский искусствовед Ц. Г. Нессельштраус так анализирует эту гравюру: «. перед нами морской берег, безграничная даль воды и сумеречное небо, прорезанное радугой и зловещими лучами кометы. На переднем плане, в окружении разбросанных в беспорядке столярных и строительных инструментов, сидит, подперев рукой голову, погруженная в глубокую задумчивость крылатая женщина. В руке у нее раскрытый циркуль, к поясу привязаны связка ключей и кошель. Неподалеку на земле лежит деревянный шар, дальше виднеется большой каменный многогранник, из–за которого выглядывает плавильный тигель.

Позади женщины взобравшийся на жернов угрюмый мальчуган с трудом выводит что–то на дощечке. Рядом свернулась в клубок тощая собака. Справа в глубине возвышается каменное здание, может быть, недостроенное, так как к нему прислонена деревянная лестница. На стенах здания висят песочные часы, весы и колокол и начертан магический квадрат. В небе, в лучах кометы, распростерла крылья огромная летучая мышь. На крыльях мыши надпись: «Меланхолия I» (. )

Сразу же чувствуя, что крылатую женщину угнетают сомнения и неудовлетворенность, зритель, однако, становится в тупик перед множеством рассеянных здесь намеков. Почему Меланхолия изображена крылатой, что означает ее бездеятельность, что за мальчик изображен позади, в чем значение магического квадрата, для чего разбросаны вокруг инструменты?


«Святой Иероним в келье». 1514 год

Святой Иероним напряжённо работает, в руке его перо, голова окружена сиянием. На столе только подставка для книг, на ней труд Святого Иеронима, распятие и чернильница. На переднем плане мирно спит маленькая собачка и грозный лев — это обязательная часть легенды о Иерониме Блаженном. Большое количество деталей и их тщательная проработка удивительны. Картина насыщена мелкими объектами — символами, которые бросаются в глаза наблюдателю. Вопросов возникает больше, чем ответов на них, и это и заставляет о многом напряжённо думать.


«Адам и Ева». 1504 год

Сюжет гравюры — классическое представление библейской истории о Адаме и Еве в саду Эдема. Считается что прототипом для фигур Адама и Евы послужили рисунки с античных статуй Аполлона Бельведерского и Венеры Медицейской. Дюрер оставил на гравюре полную подпись в отличие от своих других гравюр, отмеченных только монограммой.


«Прогулка». 1496 год

Сюжет «Прогулки», на первый взгляд, незамысловат: молодая бюргерская пара в богатых костюмах прогуливается за городом, на заднем плане виден сельский пейзаж и дерево. Однако заложенный автором глубокий философский смысл сюжета — в изображении Смерти с песочными часами над головой, выглядывающей из-за дерева. Поэтому так задумчивы лица молодых людей.
Особый смысл приобретает и безрадостный пейзаж, навевающий безнадежную тоску, куст травы с острыми и сухими листьями, безвольно гнущийся под ветром. Все напоминает о временности бытия. Виднеющееся вдали селение как будто отгорожено от молодой пары фигурой Смерти, вселяет острое чувство одиночества и оторванности от мира.


«Похищение Прозерпины на единороге». 1516 год

Прозерпина, дочь богини зерна Цереры, собирала ирисы, розы, фиалки, гиацинты и нарциссы на лугу со своими подругами, когда ее заметил, воспылав любовью, Плутон, царь подземного мира. Он умчал ее на колеснице, заставив бездну разверзнуться перед ними и Прозерпина была унесена в подземное царство. Плутон был вынужден отпустить ее, но перед этим дал вкусить зернышко граната, чтобы она не забыла царство смерти и вернулась к нему. С той поры Прозерпина половину года проводит в царстве мертвых и половину — в царстве живых.


«Семейство Сатира». 1504 год

Художник изучал пропорции, работал над проблемой изображения обнаженного тела. В работах на мифологические темы Дюрер стремился воплотить классический идеал красоты. Объемность округлой, почти скульптурной формы подчеркнута как бы скользящими по поверхности поперек строения формы круглящимися штрихами. В живописно трактованный лесной пейзаж органически включены фигуры людей и животных, воплощающих различные символы.

Джованни Баттист Пиранези (1720 — 1778)

Пиранези создавал “архитектурные фантазии”, поражающие грандиозностью пространственных решений, контрастами света и тени. Произведения Пиранези всегда ценились коллекционерами как проявление удивительной творческой фантазии и высочайшего художественного мастерства.

Его работы вдохновляли многих деятелей искусства: темницами Пиранези восхищался Виктор Гюго, создавший под их влиянием целую серию рисунков. Под влиянием его гравюр создаются декорации к «Гамлету» Шекспира и к опере Бетховена «Фиделио».

И, как бы ужасающе это не звучало, архитектурные идеи Пиранези вдохновляли архитекторов режимов тоталитаризма, муссолиниевской Италии, сталинского Советского Союза и гитлеровского Третьего Рейха, и в то же время он стал чуть ли не любимым архитектором постмодернизма.

Наиболее известные работы гравера — цикл «Темницы» и цикл «Римские древности».

Цикл «Темницы» (1749 — 1750)

«Темницы» по рисунку гораздо более экспрессивны, горячечны, чем другие работы Пиранези того же периода. Их сравнивают с бредом, кошмаром, прорывом подсознательного. Теряющиеся в темноте и высоте колонны. Цепи и кольца для крепления пут, вмурованные в стены и балки. Разводные мосты, повисшие внутри здания. Разбегающиеся в разные стороны коридоры с камерами. Массивные камни, сложенные в пилоны и арки. Пешеходные мостки на страшной высоте. Переплетенные и изгибающиеся под неестественными углами лестницы. Инфернальная машина для лишения свободы, изображенная с драматизмом, избыточным для поклонника классической красоты. Работы выполнены с поразительной точностью и наводит ужас на зрителя, заставяя поверить в то, что все это действительно существовало.

Цикл «Римские древности» (1748-1788)

В этом сборнике Пиранези воссоздал образ Рима во всем его разнообразии. Он выполнил многочисленные виды города и с точки зрения ученого, и с точки зрения путешественника. Он видел, что остатки античных сооружений Рима исчезали день за днем от ущерба, наносимого временем, от жадности владельцев, которые с варварской бесцеремонностью незаконно распродавали их по частям для строительства новых зданий. Поэтому он решил сохранить их посредством гравюр.


«Фонтан Треви». 1776 год


«Вид пристани Рипа Гранде». 1752 год


«Вид пристани Рипетта». 1753 год

Питер Брейгель старший (1525 — 1569)

Таинственна жизнь и судьба Брейгеля. До сих пор исследователи ищут одноименную фантастическую деревушку, якобы давшую имя юному бродяге, который пришел за мифическим рыбным обозом в Антверпен и, хотя и поздно приступив к наукам и художествам, вскоре блистательно всё наверстал.


«Алхимик». 1560-е годы

Брейгель на гравюре в ироническом ключе изобразил алхимика, который создает модель мира и миросозидающих процессов, ставит своей задачей воспроизведение и одухотворение космоса, исходит из представления о единстве мира и универсальности перемен.


«Дураки и шуты»

Главной загадкой этой гравюры является год ее создания. На гравюре изображена дата — 1642 год, однако Брейгель старший умер в 1569 году. Его сын — Брейгель младший гравюрами не увлекался, хотя и был художником. Возможно, цифры на гравюре — вовсе не дата.

Гюстав Доре (1832 — 1883)

Доре можно по праву назвать колоссом иллюстрации, потому что он, кажется, интерпретировал все шедевры мировой литерауры.

Помимо таланта в композиции и рисунке, Доре обладает тем взглядом, который присущ поэтам, знающим секреты природы. Когда в 1860-х годах гравюра начала приобретать сумасшедшую популярность у публики, каждый автор, который писал книгу, хотел, чтобы Доре иллюстрировал ее. Каждый издатель, который публиковал книгу, стремился выпустить ее с иллюстрациями Доре. Количество рисунков гравера достигло к маю 1862 года сорока четырех тысяч.


«Потерянный рай». 1866 год

Одна из иллюстраций, сделанных Доре к поэме Джона Мильтона «Потерянный рай». На этой гравюре изображен падший Ангел, изгнанный из Рая за гордость.


«Всемирный потоп». 1866 год


Одна из иллюстраций к «Божественной комедии» Данте.

Гравюра Российской империи: история, граверы, продажи

История русской гравюры

В XVI-ом веке Иван Грозный велел обустроить в Российском царстве типографию и размножать важные книги с целью упрочения государственной цензуры, развития торговли и ремесел. Одновременно с книгопечатанием появились и первые гравюры, которые в то время использовались только для иллюстрации книг, а не как самостоятельный вид искусства. Лучшие граверы переезжали в Москву и трудились в Оружейной палате Московского Кремля.

Новый виток в развитии граверного дела в России произошел в эпоху царствования Петра I. Талантливый правитель осознал огромный потенциал гравюры с точки зрения просвещения и велел гравировщикам всячески прославлять в гравюрах достижения России, а также перейти с отвлеченных образов на объекты повседневной жизни. Одновременно с этим Петр I пригласил в страну опытных голландских гравировщиков, которые положили начало образованию школы русских граверов.

Граверы обязаны были гравировать карты, чертежи, посещать места сражений и на основе пережитых событий делать гравюры. Именно в этот период гравюру стали использовать не только для популяризации картин и размножения книг, но и как отдельный вид искусства. Новое направление способствовало и развитию коллекционирования оригинальных эстампов (оттисков с печатной формы).

После смерти Петра I гравировальное ремесло перенесли в Академию наук в гравировальный департамент, где зародилась новая школа русских граверов. Но уже с середины восемнадцатого века, когда была открыта Академия художеств, центром художественной гравюры стал ее гравюрный класс. С этого времени граверы Академии наук занимались только научными изданиями.

На указанное время приходится пик развития русской гравюры. С середины XVIII века большой популярностью стали пользоваться гравюры с видами городов, особенно Санкт-Петербурга.

Параллельно с этим в России начали применять разнообразные виды гравюр. Если до восемнадцатого века преобладала резцовая гравюра, то во второй его половине граверы все чаще прибегали к офорту. Постепенно началось использование различных вариаций офорта, появились другие механические способы создания гравюры, которые в начале ХIХ века начали массово вытесняться изобретенной литографией.

Появление литографии породило множество вариантов плоской печати. Интерес к глубокой печати начал угасать. С развитием фотомеханики репродукционные гравюры все более уходили в прошлое, зато оригинальные гравюры ценились высоко. В конце XIX — начале XX веков интерес к гравюре вырос вновь, особенно с изобретением новых приемов гравировки.

Известные граверы России

Первыми значительными граверами в России были братья Зубовы. Старший Алексей и Младший Иван учились вначале резьбе по металлу в Оружейной палате, а затем гравировке у приглашенных Петром I голландцев. Иван работал в резцовой технике, а Алексей кроме резца предпочитал технику офорта.

Братья Зубовы стали первыми, кто превращал документы вроде чертежей и карт в художественные произведения, выдерживая при этом их точность. Одновременно с этим Алексей стал одним из первых граверов, кто создавал гравюры с видами Санкт-Петербурга. Хотя первые виды принадлежат приглашенному царем голландцу П. Пикарту, Зубов создал более детальную и масштабную панораму города. Позже появился отдельный жанр с изображениями видов городов и гравировальный класс Академии художеств, создавший серию гравюр с видами дворцовых районов Санкт-Петербурга и его пригорода.

Большой вклад в развитие видового жанра внесли также русские граверы М.И. Махаев, Я.В. Васильев и Г.А. Качалов, работающие в гравировальном департаменте Академии наук. В частности, они создали гравюры для «Плана столичного города Санкт-Петербурга с изображением знатнейших оного проспектов». Работа велась под управлением талантливого гравера И.В. Соколова на основе рисунков М.И. Махаева в группе с граверами Е.Г. Виноградовым, И.П. Еляковым, Е.Т. Внуковым и другими. Проспекты Петербурга этих мастеров не были столь детализированными, как у Зубова, но были хороши в общей композиционной построенности.

С открытием в 1799 году в Академии художеств класса ландшафтной гравюры в России появилась целая плеяда прекрасных граверов городских пейзажей. Это С.Ф. Галактионов, братья Иван и Козьма Ческие, А.Г. Ухтомский и многие другие. Они не только переводили пейзажи живописца Семена Щедрина с видами пригородного Петербурга, но и достигали более живописных образов, нежели сам художник.

Из портретистов отметим одного из самых выдающихся граверов девятнадцатого века Ф.И. Иордана, гениального гравера В.В. Матэ, руководителя гравировального класса Академии Художеств Е.П. Чемесова и многих других.

В XIX веке война с Наполеоном привела к росту патриотизма российских граверов. Многие из них путешествовали по старым российским городам и затем отражали свой опыт в видовых гравюрах. Среди них были А.Е. Мартынов, С.Ф. Галактионов, К.П. Бегров и другие опытные мастера своего дела. С 1820-х годов стали популярными литографии с видами разных российских городов. Помимо Санкт-Петербурга граверы обратили свой взор на Москву, Нижний Новгород, Владимир, Казань и многие другие города.

Большой вклад в развитие русского гравировального искусства внесли и те граверы, которые осваивали узкие направления. Так, Л.А. Серяков проявил большой талант в ксилографии, Я.К. Афанасьев первым в России освоил технику гравюры на стали, А.Ф. Зубов был хорош в черной манере и т.д.

Помимо русских мастеров виды контрастного Петербурга притягивали и иностранных граверов. Одни из них были покорены Петербургом при его первом же посещении и даже оставались здесь жить навсегда. Например, это был Бенжамен Патерсен, создавший около сотни гравюр с видами города (хранятся в Государственном Эрмитаже и музее Пушкина).

Другие приезжали в Россию по приглашению и работали в Гравировальной палате Академии наук. Среди них, например, О. Эллигер, П. Пикарт, А. Шхонебек, П. Шенк и другие. Так, на русских граверов заметное влияние оказал барочный стиль работы голландца Адриана Шхонебека, ставшего учителем для многих русских граверов, включая и братьев Зубовых.

Продажи гравюр на аукционах, рекорды уходов

Гравюры представляют собой желанные объекты для коллекционирования. И хотя они не уходят за десятки миллионов долларов, как картины известных художников, все же на аукционах к ним традиционно проявляют интерес, а цена шедевров гравюры может превышать несколько миллионов долларов. Приведем в пример уходы гравюр иностранных и русских мастеров.

Так, из работ крупнейшего в Европе мастера ксилографии Альбрехта Дюрера три гравюры ушли 29 января 2013 года с аукциона Christie`s по цене, превышающей полмиллиона долларов. Это картины «Адам и Ева» (продана за 662 тыс. долларов при эстимейте 300-500 тыс. долларов), «Сент-Юстас» (продана за 722 тыс. долларов), «Носорог» (продана за 866 тыс. долларов при эстимейте 100-150 тыс. долларов).

Гравюры виртуозного художника Пабло Пикассо уходили за еще большую цену. Среди самых дорогих назовем гравюры «Минотавромахия» и «Плачущая женщина».

Первая из них относится к числу наиболее значимых графических работ XX века и главным достижением Пикассо в области печати. Она была создана в 1935 году и попала на аукцион Sotheby`s в ноябре 2014 года. При эстимейте 2-3 млн долларов ее продали за 2,4 млн долларов.

Гравюра «Плачущая женщина» также относится к числу выдающихся графических работ прошлого столетия. Она была продана на торгах Sotheby`s в феврале 2014 года и установила рекорд для гравюр. При эстимейте 1,2 млн-1,8 млн фунтов стерлингов гравюра ушла за 3,2 млн фунтов (5,2 млн долларов по курсу того года).

Отметим, что многие русские художники также занимались гравюрой. Сегодня эти работы представляют большую ценность и периодически появляются на крупных аукционах. Среди них, например, графические работы Ивана Шишкина, считающегося одним из лидеров по ликвидности на российском рынке аукционов. При этом большая часть его проданных работ — это офорты, в исполнении которых он достиг высокого мастерства.

Одной из причин ликвидности считается доступность с точки зрения цены, так как приобрести отдельные листы Шишкина по силам практически любому коллекционеру. Например, наиболее дорогой его офорт «На реке после дождя» ушел с молотка «Кабинета» за 100 тыс. рублей, а другие офорты уходили за меньшие суммы.

Регулярно уходят и коллекции гравюр. Например, в 2007 году на аукционе Christie`s продали альбом «Шесть гравюр» Л.С. Поповой. При эстимейте 40-60 тыс. фунтов стерлингов работа ушла за 228 тыс. фунтов.

Детальнее познакомиться с разными приемами создания гравюр вы можете в статье «Техники гравюры с примерами работ».

Каких героев «Великолепного века» не существовало на самом деле?

Сюмбюль-ага

Евнухи действительно были неотъемлемой частью турецких гаремов и даже имели там огромное влияние, но далеко не всё показанное в сериале достоверно. Да-да! Колоритный Сюмбюль-ага с блестящим чувством юмора не совсем реальный персонаж. Ну, точнее, он жил в Топкапы, только в совершенно другое время. Согласно записям евнух с таким именем служил в гареме турецкого султана при Ибрагиме Безумном (сыне Кёсем-султан). Так что у Хюррем из «Великолепного века» не было близкого и преданного слуги, которому госпожа за выслугу лет даровала свободу.

Изабелла Кастильская

Изабелла Фортуна — красавица-принцесса, которая так и не доплыла к своему жениху, потому что попала в турецкий плен, в реальности никогда не встречалась с Сулейманом. На самом деле она годилась ему как минимум в бабушки, так как жила намного раньше обозначенной в «Великолепном веке» эпохи. В реальности Изабелла Кастильская была бабушкой Карла V, противника Сулеймана, так что никаких романтических драм в охотничьем домике не было и быть не могло. Всю эту круговерть с тайным романом и загадочным исчезновением испанской инфанты придумали сценаристы для остроты сюжета.

Фирузе Хатун

Фирузе — наложница султана, появляющаяся в 64-й серии «Великолепного века». Хюррем сама её купила и привела в гарем в качестве служанки. Девушка подружилась с Михримах и нашла общий язык с маленьким Джахангиром, что растопило сердце Роксоланы. Но Хатидже сманила Фирузе на свою сторону и отправила в постель к падишаху. Сулейман сделал девушку фавориткой, и она даже заключила с госпожой пари, согласно которому та, кто лишится любви султана, потеряет и жизнь. В итоге оказалось, что девушка — родственница личного врага Сулеймана и её казнили. Наложницы по имени Фирузе никогда не было в реальности, и все её интриги были лишь на экране. Однако фанаты так ненавидели Джансу Дере за ее киновоплощение, что актрису откровенно травили и даже написали письмо создателям сериала с требованием убрать ее из проекта.

Садыка Хатун

Садыка Хатун – светлая любовь Матракчи и очередная султанская наложница, трепавшая нервы Хюррем, тоже вымысел коварных сценаристов. Вообще главные конкурентки жены Сулеймана, кроме Махидеваран, почти не имеют отношения к реальности. Их выдумывали, чтобы они внесли в сериал интригу и заставили нервничать большую часть женской аудитории. Однако в жизни сразу после того, как Хюррем стала законной супругой, Сулейман распустил гарем.


источники:

http://lermontovgallery.ru/spravochnik-antikvariata/gravyura-rossiyskoy-imperii-istoriya-gravery-prodazhi/

http://www.cosmo.ru/lifestyle/stil-zhizni/kakih-geroev-velikolepnogo-veka-ne-sushchestvovalo-na-samom-dele/